Yoko Ono es una artista japones nacida el 18 de febrero de 1933 en Tokio.
Segunda esposa de John Lennon, quien le dedicó parte de su trabajo. Ambos se casaron en Gibraltar el 20 de marzo de 1969.
Yoko Ono pertenece a la aristocracia japonesa y formó parte del movimiento vanguardista de la década de los 60, era integrante del grupo Fluxus.
Adepta del arte conceptual, en el cual las ideas son el motor y la esencia de la obra de arte, pudiendo llegar a ser incluso más importantes que su forma física y el empleo de técnicas de realización. En el arte conceptual, el contenido, el mensaje, el estímulo al pensamiento y la crítica son ya por sí mismos el arte.
EnValencia, se expone la obra EX-ITde la artista, en la galería al aire libre delL'Umbracle, dentro del entorno de la Ciudad de las Artes y de las Ciencias.
Yoko Ono llegó al punto de componer canciones que sólo existían en su mente, de organizar conciertos en que el público tenía que imaginar por sí mismo la música que oía. Editó un célebre libro de dibujos y piezas de arte, Grapefruit (Pomelo), varias películas conceptuales (como Fly) e innumerables discos marcados por el experimentalismo. Entre ellos se destacan las obras maestras Yoko Ono/Plastic Ono Band, Fly, Approximately Infinite Universe (años 1970) y Season of Glass (años 1980).
Yoko Ono/Plastic Ono Band. Why?
En los años 1990, sacó dos discos que fueron muy bien recibidos por la crítica: Risingy Blueprint for a Sunrise. Hasta hoy, sus mayores éxitos han sido "Walking on Thin Ice" y, en menor nivel, "Never Say Goodbye".
Sus discos en colaboración con John Lennon incluyen Unfinished Music No.1: Two Virgins, Unfinished Music No.2: Life with the Lions, Wedding Album, Some Time in New York City, Double Fantasy y el póstumo Milk and Honey.
En los últimos años, un proyecto de remezclas de sus antiguos clásicos ha tenido muchísimo éxito, y muchas de sus más clásicas y hasta entonces desconocidas canciones accedieron a los primeros puestos de las paradas Dance/Club Play Songsde Billboard, como "Walking on Thin Ice", "Hell in Paradise", "Everyman, Everywoman" y "Open Your Box".
Gran parte de la obra de Yoko (artes plásticas y música) trata de temas como libertad de pensamiento, paz, lucha contra el racismo, la homofobia y el sexismo y la valoración de las pequeñas grandes sensaciones cotidianas. Una característica marcante de su arte (canto, escritura, música, películas, dibujos etc.) es la economía de recursos generadores de un máximo efecto. Los mismos motivos resurgen en su obra en diversos momentos, adaptados, reaprovechados y cargados de nueva significación.
Yoko Ono ejerció una gran influencia personal y profesional sobre John Lennon. La artista japonesa se hizo notar desde los primeros momentos de la relación.
Muchos dicen que Yoko es responsable de la separación de los Beatles, mito desmentido por Paul Mccartney, ya que dice que sin ella John no habría podido escribir grandes canciones como "Imagine" y muchas que se incluyen en el album Definitive Lennon.
IMAGINE. JOHN LENON:
Las filmaciones durante las sesiones de grabación de Let It Bemuestran un grupo de por sí cansado y al borde de la exasperación por parte de todos sus miembros. Como Paul Mccartney dijo "Mil cosas se podrán decir, pero la verdad solo la conocen 4"
CUT PIECE. YOKO ONO. (1964)
Pieza cortada
Esta pieza fue realizada en Kyoto, Nueva York y Londres. Por lo generals se lleva a cabo por Yoko Ono y se interpreta desde el escenario, colocando un par de tijeras enfrente de ella y pidiendo a la audiencia que vaya al escenario uno a uno. Seguidamente le corta una parte de su ropa ( en cualquier lugar que les guste) y se lo llevan. El artista no tiene porque ser una mujer.
"Cut Piece es sobre liberarse de sí mismo ..."
Tradicionalmente, el yo del artista se encuentra en la obra del mismo. En otras palabras, el artista debe dar su ego al público. Yo siempre había querido producir trabajo sin ego en él. Yo estaba pensando en este tema cada vez más, y el resultado de esto fue cortar el pedazo. En lugar de dar al público lo que el artista elige para dar, el artista da lo que el público decida tomar. Es decir, se corta y se toma cualquier parte que desee, esa fue mi sensación acerca de su propósito.
Es una forma de dar que tiene mucho que ver con el budismo. Hay una pequeña historia alegórica sobre Buda. Dejó a su castillo con su esposa e hijos, y estaba caminando hacia una montaña para entrar en meditación. Mientras caminaba a lo largo, un hombre dijo que quería los hijos de Buda porque quería venderlos o algo así. Entonces Buda le dio a sus hijos. Luego alguien dijo que quería la esposa de Buda y le dio a su esposa. Alguien grita que él es frío, así que Buda le da su ropa. Por último, un tigre viene y dice que quiere comérselo y Buda se entrega. Y en el momento en que el tigre se lo come, se convirtió en iluminación. Esto una forma de donación total muy diferente a la de dar racionando como "lógicamente se merece esto" o "Creo que esto es bueno, por lo tanto, le doy a usted."
La ropa en los sesenta fué muy importante para mí porque tenía poca. Pero cuando interpretaba Corta la pieza, siempre me aseguré de ponerme mi mejor traje. Fue la ruina total. Perdía mi mejor traje cada vez que llevaba a cabo la obra. Se puede pensar que hubiera sido correcto usar la ropa más barata ya que iba a cortarse, pero estaba totalmente en contra de mis intenciones. Este evento lo repetí en varios lugares diferentes, y mi armario se iba haciendo más pequeño. Sin embargo, cuando me sentaba en el escenario en frente de la audiencia, sentía que esa era mi verdadera contribución. Así era como me sentía.
El público estaba tranquilo y quieto, y me parecia que todo el mundo estaba en la expectativa. Mientras lo hacía, quedaba mirando al espacio. Me sentía como si estuviera rezando. También sentía que estaba dispuesta sacrificarme. No era una cuestión feminista, per se. Tenia que ver con la parte positiva y negativa de dar que si queremos , podemos hacer que sea positiva. Y lo más curioso era que la mayoría de la gente pensaba lo contrario, que era el cuerpo el que estaba siendo violado. Pero cuando esta obra fue realizada por Charlotte Moorman en un convento, las monjas dijeron: "Bueno, esto es lo que estamos haciendo." Se omite la connotación sexual entendido totalmente la connotación filosófica y el lado positivo, que se transmitía.
Cuando fui a Londres - swinging London, entonces - el momento en el que me puse las tijeras en frente de mí, 20 personas se acercaron al escenario y me dejaron totalmente desnuda. Todo depende de la audiencia realmente, es un diálogo entre el público y yo.
En el año 2003 en París en No corto el pedazo la cosa fue diferente. La gente tenía miedo de mi. Un amigo que casi nunca viene a mis actuaciones, aquel año me acompaño como un guardaespaldas, eso fue muy dulce. Mis amigos me dijeron que yo necesitaba un guardaespaldas, pero mi filosofía es que tenemos que confiar en los demás. En Corta la pieza pedía que la gente viniera al escenario y que cortaran la pieza que más le gustara de mí. En el año 2003 pedía que esa pieza de ropa se la regalen a la persona que más amen. Cuando lo hice en 1965 lo hice como una mujer que quería enfrentar la ira y las turbulencias del momento, además sólo me estaba comunicando con un pequeño grupo de personas- en su mayoría intelectuales. La última vez no me comunicaba con nadie, era un público muy abundante. Lo hice por amor al mundo y tú, al mundo y yo. Creo que sí se puede llevar un sentimiento de amor por los demás, eso es muy importante.
Yoko Ono.
CUT PIECE. YOKO ONO.
Primera versión para un solo actor : tiempo medio: 30 '
El protagonista se encuentra en el escenario con un par de tijeras colocadas delante de él.
Se anuncia que los miembros de la audiencia pueden venir en el escenario
- uno a la vez - para cortar un pequeño trozo de la ropa del actor a tomar con ellos.
Artista permanece inmóvil en toda la pieza.
pieza termina en la opción de los artistas.
Segunda versión para el público :
Se anuncia que los miembros de la audiencia pueden cortar la ropa del otro. El público puede reducir el tiempo que quieran.
Guión de "Strip Tease Show ', principios de la primavera de 1966.
Pieza cortada se realizó por Yoko en Kyoto, Tokio, Nueva York y Londres en la década de 1960 y de nuevo en París en 2003.
Asimismo, se ha realizado por muchos otros artistas.
ENLACES DE INTERÉS SOBRE YOKO ONO EN LA ACTUALIDAD:
Hoy hablaremos de una obra de pintura del artista Rafael, de la época del cinqueccento, esta es: La escuela de Atenas.
Rafael realizó esta pintura en la época del renacimiento (s. XV - XVI). El renacimiento fue un movimiento de la edad moderna que intentó resucitar, en la culturade la época, los valores formales y epirituales de la Antigüedad. Actualmente, esta época se ha ampliado abarcando también los cambios políticos, económicos, técnicos, religiosos y culturales que se produjeron en el s. XV. Algunos de estos cambios (descubrimiento del hombre y de la naturaleza, concepción individualista, criticismo, vuelta a la Antigüedad, triunfo de la economía monetaria, etc.) pueden rastrearse en la Edad Media, adquieren su madurez en el s. XV y, por tanto, son válidos para comprender el Renacimiento.
En el renacimiento, la cultura es antropocéntrica: el hombre es el motor y la medida de todas las cosas, y él mismo adquiere conciencia de su propio valor y seguridad. Es por eso la época de laexaltación del individuo, del amor a la gloria peronal y el deseo de perpetuidad: biografías, retratos, medallas, mausoleos... reflejan ese ansia.
Humanismo:
Se denomina humanismo al movimiento intelectual del Renacimiento que valoraliza la digndad del espíritu humano. Es el aspecto literario y filosófico del Renacimiento. No se limita al estudio de la teología, como en el medievo, sino que da gran importancia al estudio de las ciencias humanas, en especial de las lenguas clásicas, el latín y el griego, y busca en los escritores de la Antigüedad la confianza en la inteligencia del hombre y el amor a la naturaleza.
Los humanistas tuvieron gran influencia sobre el arte, proporcionando ideas y temas a los artistas. Estos, a su vez, trataron de demostrar la sólida formación científica y humanista que requiere el ejercicio profesional del arte. Alberti, arquitecto de mediados del XV, es un pionero en esta nueva conciencia. Expresó la idea de que las matemáticas son el cuerpo común del arte y de la ciencia; así, la teoría de las proporciones, como la de la perspectiva, son disciplinas matemáticas. El artista, por tanto, quiere ser considerado como un intelectual, no como un artesano.
La reacción intelectual y platónica al positivismo medieval:
En la última etapa del gótico (período artístico anterior al Renacimiento) se había extendido una tendencia positivista, es decir realita, concreta y racional, inspirada en Aristóteles y difundida por la Escolástica. En el s. XV, en cambio, se descubre a Platón. En 1440, Marsilio Ficino funda en Florencia la Academia Platónica, que se convirtió en el centro de vida intelectual. La filosofía de Platón permitía a los humanistas y artistas conciliar la belleza pura del paganismo con la religión, puesto que la belleza era un medio de acercarse a Dios. Para estos pensadores, la belleza y el bien son un solo principio, puesto que Dios es el Sumo bien, también es la Suma Belleza, y lo corpóreo es bello sólo por participación de la belleza. Esta posee, como cualidad intrínseca, la Unidad. En arte, la forma de conseguir esa unidad era por medio de la armonía; armonía de todas las partes entre sí y con el conjunto. Intelectuales y artistas observaron cómo el platonismo justificaba las obras maestras de la Antigüedad, que tanto admiraban.
Reconstrucción de como sería la Academia Platónica
Retrato del Papa Julio II (1512)
Cronología. Focos reacentistas. Los mecenas.
El Renacimmiento itaiano abarca el s. XV y el primer tercio del s. XVI; en lo que resta de este último se desarrolló el Manierismo, hasta hace poco considerado como "degenarción" del Renacimiento, pero reivindicado actualmente.
La prosperidad de las ciudades italianas originó la existencia de numerosos nobles y burgueses enriquecidos que no vacilaron en convertirse en mecenas (protectores) de escritores y artistas. Aunque este mecenazgo se ejerció en varios centros, dos son los más destacados: Florencia en el s. XV, con los Médicis, ricos banqueros que gobernaron la ciudad durante varias generaciones, y Roma en el s. XVI, con la protección de Papas como Julio II y León X.
Unos alumnos representan con títeres una conversación de un mecenas y Leonardo DaVinci:
El ideal clásico.
El ideal clásico, buscado por el Renacimiento, persigue la belleza en la forma y, concretamente, e la forma humana, puesto que en lo sucesivo, el fin de las actividades no reside ya exclusvamente en Dios, como en la Edad Media, sino cada vez más en el hombre.
La geometría y las matemáticas, como ocurrió en Grecia, serán las ciencias que ayuden a definir esa belleza ideal de la forma. Así pues, principios indiscutibles del arte renacentista son la unidad, la simetría y la proporción. Unidad espacial en la arquitectura, así como destacar el motivo principal en las artes plásticas, de tal manera que la composición sea abarcable de una sola mirada. Simetría respecto a un eje central, de forma que lo que aparece a un lado tenga su correspondencia en el opuesto. Proporción, es decir, concordancia lógica entre cada una de la partes de un todo y con el conjunto. Llamaron "número áureo" a una proporción considerada especialmente estética, consistente en que la proporción entre una dimensión menor y otra mayor, debe ser la misma que la existente entre la suma de las dos y la mayor de ellas (2/3, 3/5, 5/8, 8/13...).
Como podemos deducir, el ideal de belleza renacentista se basa en un orden intelectual, en algo que se consigue por una concordancia lógica, por un estudio riguroso, y no por algo intuitivo o por reflejo de lo divino.
Aquí tenéis un video que recoge las obras más conocidas de la etapa del Renacimiento:
Subetapas:
El arte del Renacimiento lo podemos dividir en dos subetapas: el Quatroccento y el Cinqueccento.
El arte del Quattroccento es una delimitación precisa en el ámbito del arte europeo del s. XV: arte que se produce en Italia en esta centuria. A partir de 1400, en tierras italianas, se inicia la formulación de un lenguaje clásico en clara contraposición a las corrientes góticas todavía dominantes en el resto de Europa. Donde más temprano se desperta este fervor es en Florencia. La casa de los Médicis es un centro de reunión y formación de artistas y literatos, llegando a su apogeo en tiempos de Lorenzo de Médicis.
La Antigüedad clásica fue modelo y fuente de inspiración para los humanistas del s. XV y su influencia recorre todo el arte de este período.
Si sigues teniendo interés, mira el siguiente video, te mostrará ejemplos de arte de esa época y te explicará mejor como son sus características:
Estamos ya en pleno Renacimiento que, por otra parte, irradia fuera de Italia. Los artistas son considerados incluso como genios, inspirados por Dios. En este sentido, la carga de idealismo y subjetivismo de sus obras es mayor que en el siglo anterior. El arte del XVI es eminentemente idealista, es decir, pretende reflejar, no tanto la realidad de las cosas, como el modelo "supremo" al que estas se deberían ajustar para que el mundo fuera bello.
Roma sustituye a Florencia como "capital artística" italiana. Roma no es ya el lugar de pregrinación de los artistas florentinos que iban a estudiar las ruinas de la antigüedad, sino la ciudad donde se emprenden las obras más importantes de la época. Los nuevos mecenas son los papas: Julio II fue el que llama a su corte a artistas como Bramante, Rafael y Miguel Ángel. A su muerte le sucede León X, tan amigo de las artes como su padre (precisamente Lorenzo de Médicis) y fastuoso como un emperador romano.
El siguente video te habla un poco más del Cinquecento:
En comparación con la del Quatroccentto, tiene una tendencia clara hacia la simplificación, la claridad y la grandiosidad, sobre todo en Florencia y Roma.
Destacan el tema principal, pierde importancia lo secundario, lo anecdótico.
Claridad de composición: líneas y planos fundamentales, con clara preferencia por la composición triangular de lados iguales, equilátera.
Los tipos humanos están planteados con suma corrección y elegancia, aunque no exenta de cierta flexibilidad.
Hay un mayor movimiento, que se afirmará en el Manierismo.
Los escenarios arquitectónicos, superada su función para la perspectiva lineal, importa ahora más por su volumen para acompañar y aún realzar a los personajes de la composición.
El escorzo sigue interesando, incluyendo el de las figuras en movimiento.
El dibujo, la línea, se ablanda a favor del juego pictórico de luz/sombra (Leonardo). Se llegará a fin de siglo a conseguir la perspectiva aérea (escuela veneciana fundamentalmente).
Distinguimos diversas escuelas: florentino-romana, milanesa, Parma, Venecia.
Obras muy representativa de esta época son:
La última Cena - Leonardo da Vinci
Bóveda de la Capilla Sixtina - Miguel Ángel Buonarroti
También en la pintura, Roma se convierte en la meta de numerosos artistas, incluídos los florentinos. El mecenazgo que ejerce el papado es decisivo. Es así como llegarán a Roma, Miguel Ángel y Rafael. En todos ellos hay una inicial coincidencia en seguir concediendo al dibujo una importancia que ya no será tan habitual en el Cinqueccento.
Rafael de Sanzio:
Nació el 6 de abril de 1483 en Urbino.
Respecto a su arte, es una personalidad de características opuestas a las de Leonardo (vida esforzada llena de fracasos) y Miguel Ángel (vida atormentada por un temperamento apasionado y tormentoso). Rafael fue un hombre de mundo mimado por el éxito, con una precocidad extraordinaria para la pintura que nos induce a pensar que su obra no le cuesta ningún esfuerzo, que su vida es un paseo triunfal. No fue innovador, sino que llevó a la perfección los descubrimientos de otros, una especie de criso donde se funden las experiencias de ensayos pictóricos anteriores. De su obra podríamos destacar:
La Madonna del Granduca: de clara influencia peruginesca y leonardesca.
La Escuela de Atena: su obra maestra, de la que hablaremos más adelante. Pintada en la sala del Vaticano denominada "Sala de la Signatura".
Pintó otras estancias al Vaticano así como multitud de cuadros en los que predomina el tema de la Vigen: Madonna de San Sixto, La Virgen de la silla, La bella jardinera, La Madonna del Prado, La Madonna del jilguero, La Madonna del pez... En la primera citada se nos muestra la Virgen y su Hijo como en una aparición ante San Sixto y Santa Bárbara, que parecen actuar de intercesores. María y Jesús miran frontalmente a los espectadores en un ambiente de luz irreal que inunda la escena, reforzando la sensación de proximidad. En la franja inferior, dos angelitos en actitud despreocupada.
Todavía joven, en pleno éxito, fallece en 1520. Rafael de Sanzio murió a los 37 años. A pesar de su muerte prematura, nos legó una de las colecciones pictóricas más importantes de la Historia. La fama le llegó muy joven y los encargos le llovían, por lo que se hizo necesario el tener que rodearse de discípulos y colaboradores que le ayudaban en la ingente tarea de cumplir los compromisos que asumía, ya que Rafael no sabía decir que no cuando le encargaba una obra.
En la Piazza della Rotonda se alza el Panteón. La inscripción del arquitrabe recuerda que fue Agripa, el yerno del emperador Augusto, quien lo construyó en el año27 a.C. Después del incendio del año 80 d.C., el emperador Adriano mandó construir un nuvo edificio que se ha conservado hasta la actualidad. Allí se encuentra entre otros sepulcros, el de Rafael, sepúlcro clásico, por encima del cual se encuentra la Madonna del Sasso, ejecutada por su discípulo Lorenzetto.
En la tumba está inscrito el siguiente epitafio por Pietro Bembo:
"Ille hic est Raffael, timo quo sospeche vinci, rerum magna parens te Moriente muera" (Aquí yace aquel famoso Rafael del cual la naturaleza temió ser conquistada mientras él vivió, y cuando murió, creyó morir juntos)
Hay quien lo traduce así:
"Aquí yace Rafael, del cual la naturaleza temía ser vencida mientras era vivo, más ahora que es muerto, teme de morir".
La Escuela de Atenas:
Clasificación:
La Escuela de Atenas es una de las pinturas más famosas del artista Rafael de Sanzio. Fue hecha en boceto entre 1509 y 1510 y pintada entre 1510 1512 como parte de una composición para decorar con frescosas las habitaciones del Palacio del Vaticano. La Stanza della Segnatura, sala donde se encuentra la Escuela de Atenas, fue la primera habitación en ser decorada, y La Escuela de Atenas la segunda pintura en ser finalizada, tras La disputa del Sacramento. Es del período conocido como el Cinqueccento del Renacimiento italiano (del que ya hemos hablado anteriormente), en el que Roma se convirtió en el motor del cambio estilístico.
Comentario:
Comentario estilístico:
La Escuela de Atenas se trata de la obra maestra de Rafael, prototipo renacentista: perspectiva lineal, composición de gran número de personajes, fuerza expresiva de gestos y psicologías, colorido fuerte y armónico, perfecto equilibrio, unidad dentro de la variedad...
Su base es de 7,70 m y su altura de 5,00 m. Se trata de un fresco situado frente a la "Disputa del Sacramento". Representa la Filosofía, a través de una escena en la que se narra una sesión entre los filósofos clásicos. En esta obra, Rafael adapta el espacio a las leyes de la superficie. ordena las figuras de izquierda a derecha. La perspectiva queda rota por los muros laterales sobresaliente.
En su tipología, podemos decir que es claramente figurativa; es decir, se trata de la representación de una escena realista, no se trata de una pintura abstracta. La figuras son claramente realistas, pintadas con mucho cuidado y estudio previo. La escena muestra cierta dinámica, a la vez que las poses pueden resultar un poco esquemáticas, pero muy estilizadas.
El modelado de la pintura podríamos decir que existe mucha riqueza en el dibujo, con mucho detalle y tratamiento de los ropaje de los personajes. En cuánto a su composición, podemos apreciar una clara perspectiva lineal, muy característica de este período. Rafael ha dividido la escena con una clara línea horizontal donde se congregan los filósofos y se focaliza nuestra atención cuando contemplamos la obra por primera vez. Platón junto a Aristóteles son las figuras centrales de la obra y sobre las cuales recae el punto de fuga de todo el conjunto.
En la Escuela de Atenas están pintados los filósofos, científicos y matemáticos más importantes de la época clásica. En ella, los diferentes grupos de personajes se ubican de manera simétrica, dejando el espacio central vacío para contemplar mejor a los protagonistas, recortados ante un fondo celeste e iluminado por un potente foco de luz que resalta la monumentalidad de la construcción.
Hay mucha luz, el color es brillante y la estancia se encuentra iluminada. La pintura pretendre captar la luz natural del Sol, sin provenir de ninguna dirección en concreto. No hay colores oscuros ni muchas sombras, las justas para dotar a la escena de realismo y naturalidad. A pesar de ello, hay armonía y contraste debido al empleo de colores muy variados.
Situación:
La Stanza della Segnatura, donde se encuentra el fresco de La Escuela de Atenas, tiene forma cuadrada, con ventanas en dos de las paredes. Esta sala servía de biblioteca y era el sitio donde Julio II firmaba los decretos del tribunal ecleciástico. Cada una de las paredes pintadas reflejaba una actividad humana en el ámbito del pensamiento:
La Filosofía representada mediante La Escuela de Atenas.
La Teología está reresentada por la Disputa del Sacramento.
La Poesía se simboliza con el Parnaso.
El Derecho se ilustra mediante Las Virtudes y la Ley con dos escenas: en una Gregorio IX recibe las Decretales y en la otra Triboniano entrega las Pandectas.
Paredes Este y Sur
Paredes Norte y Oeste
El Parnaso - Muro Norte
Las Virtudes y la Ley - Muro Sur
La Disputa del Sacramento - Muro Este
Bóveda
Temática.
Esta obra es uno de los cuatro frescos que pintó Rafael para la sala del Vaticano denominada Sala de la Signatura, biblioteca privada del Papa. La Escuela de Atenas, es una alegoría de la Filosofía. El tema es una reunión de filósofos bajo la bóveda de un aula con planta central rematada por un cúpula. En el centro, Platón, con el rostro de Leonardo, alude con el índice a las ideas como fuente del saber; Aristóteles, con la palma dirigida hacia la tierra nos remite en cambio a la concreción física de la realidad. No aparecen como actitudes irreconciliables, sino más bien como dos formas de acercamiento a la verdad natural. En primer plano, humilde y solitario, está Heráclito, con el rostro de Miguel Ángel, meditando sobre el constante fluir de las cosas. También en el centro y en posición de abandono sobre la escalinata, se encuentra Diógenes. A la derecha, inclinado sobre un pizarrón, localizamos a Euclides (con el rostro de Bramante) y después Tolomeo y Zoroastro con el globo terráqueo y la esfera terrestre, están los propios retratos del autor y de su amigo Sodoma.
En la famosa Escuela de Atenas, Rafael ha introducido la escena en un templo de inspiración romana, enlazando con la idea del templo de la Filosofía evocado por Marsilio Ficino. En las paredes del templo contemplamos las estatuas de Apolo, el dios de la Razón, y Minerva, la diosa de la Sabiduría, así como las bóvedas de casetones y los espacios abiertos que dominan el edificio, creando un singular efecto de perspectiva.
Los personajes:
1) Zenón de Citio o Zenón de Elea; 2) Epicuro; 3) Federico II Gonzaga; 4) Anaximandro; 5) Averroe; 6) Pitágoras; 7) Alejandro Magno, 8) Antístenes o Jenofonte; 9) Hipatia (pintada como Margherita o el joven Francesco Maria della Rovere); 10) Jenofonte; 11) Arquímedes; 12) Sócrates; 13) Heráclito (pintado como Miguel Ángel); 14) Paltón; 15) Aristóteles sosteniendo la Ètica; 16) Diógenes de Sinope; 17) Plotino; 18) Euclides; 19) Zoroastro o Estrabón; 20) Claudio Ptolomeo; 21) Apeles como Rafael junto a Protógenes como El Sodoma; R) Al fondo: Homero.
1) Zenón de Citia o Zenón de Elea: fue un filósofo griego perteneciente a la escuela eleática que fue discípulo de Parménides, cuyas tesis defendía con un amplio arsenal conceptual. Se le considera el primero en usar demostraciones por reducción al absurdo y son muy conocidas sus paradojas donde niega la existencia del movimiento o la pluralidad del ser.
2) Epicuro: su filosía en líneas generales, se caracteriza por situarse en el lado opuesto a la filosofía platónica: afirma que no hay más que una realidad: el mundo sensible. Niega la inmortalidad del alma y afirma que esta, al igual que todo lo demás, está formada por átomos.
4) Anaximandro: filósofo discípulo y continuador de Tales. Se le atribuye un mapa terrestre, la medición de los solsticios y equinoccios, así como trabajos para determinar la distancia y tamaño de las estrellas y la afirmación de que la Tierra es cilíndrica y ocupa el centro del Universo.
5) Averroés (al fondo): Averroés fue un filósofo y médico andalusí, maestro de filosofía y las leyes islámicas, matemáticas y medicina. Avarroés se esforzó en aclarar cómo piensa el ser humano y cómo es posible la formulación de verdades universales y eternas por parte de seres perecedores.
6) Pitágoras: Pitágoras, el célebre matemático griego, demuestra una de sus teorías a un grupo que lo escucha embelesado, uno de cuyos miembros porta una pizarra.
7) Alejandro Magno: es considerado uno de los mayores líderes militares de la historia. Consolidó la unificación de las ciudades-estado griegas y venció al enemigo histórico de estas, el imperio Persa. En apenas 12 años creció un imperio como no había sido conocido hasta entonces, uniendo Grecia, Oriente Medio, Mesopotamía, Egipto y la India. Recibió las enseñanzas de Aristóteles en su juventud, el cual lo instruyó en historia y filosofía, influyendo notablemente en el desarrollo intelectual del futuro rey.
9) Hipatia de Alejandría: fue una filósofa griega que vivió en el siglo IV a.C. Pasó toda su vida dedicada al estudio de la astronomía y a la enseñanza en la escuela platónica de Alejandría, de la cual llegó a ser directora. Mujer adelantada a su tiempo fue salvajemente asesinada por un grupo de cristianos.
11) Arquímedes: nacido en Grecia fue matemático, físico, ingeniero, inventor y astrónomo. Aunque se conocen pocos detalles de su vida, es considerado uno de los científicos más importanes de la antigüedad clásica. Entre sus avances en física se encuentran sus fundamentos en hidrostática, estética y la explicación del principio de la palanca.
12) Sócrates (derecha): es considerado como uno de los tres máximos representantes de la filosofía griega, junto a Platón y Aristóteles. Fue el verdadero iniciador de la filosofía, en cuanto que le dio su objetivo primordial de ser la ciencia que busca en el interior del ser humano. El método de Sócrates era dialéctico: después de plantear una proposición analizaba las preguntas y respuestas suscitadas por la misma.
13) El personaje solitario que se sienta en los peldaños representa a Heráclito (con cara de Miguel Ángel), filósofo melancólico que lloraba por la insensatez humana.
14) Platón (con cara de Leonardo da Vinci): mantiene una charla con Aristóteles, su alumno, y porta en su mano izquierda su obra Timeo, un influyente ensayo de cosmogonía, cosmología racional, física y religión. Con su dedo apunta hacia arriba con alusión a su concepto del mundo de las ideas, el mundo espiritual.
15) Aristóteles: con un gesto, contrapuesto al de su maestro, hace alusión al mundo material. En su mano posee su obra Ética a Nicómaco. Aristóteles fue el creador de la lógica formal, economía, astronomía, precursor de la anatomía y la biología y un creador de la taxonomía biológica (ciencia de la clasificación de los organismos). Es considerado el padre de la zoología y la botánica.
16) Diógenes: la figura enjuta de los escalones es Diógenes, filósofo que aborrecía las posesiones terrenales, para él la propiedad carecía de valor y vivía en un tonel, lo que le valió el apodo de "el perro".
17) Plotino: filósofo griego, figura más representante del neoplatonismo, el último sistema filosófico verdaderamente griego.
18) Euclides: matemático griego del s. III a.C. y discípulo de Sócrates, expone uno de sus postulados geométricos a un grupo de estudiantes.
19) Zoroastro: junto a Ptolomeo otra figura, probablemente el profeta persa Zoroastro, sostiene un globo celeste.
20) Ptolomeo: astrónomo y geógrafo del s. II, que creía que la Tierra era el centro del universo, sostiene un globo terráqueo.
21) Rafael: plasma su autorretrato en la figura del joven situado junto a Ptolomeo y nos mira directamente a los ojos para captar nuestra atención. A su lado, Perugino con idéntico sombrero pero en blanco.
R; al fondo vemos:
Homero: es el nombre dado al poeta y rapsoda griego al que tradicionlmente se le atribuye la autoría de la principales poseías épicas griegas: la Ilíada y la Odisea, pilar sobre el que se apoya la épica grecolatina y, por ende, la literatura occidental. En dichos relatos se narra la batalla de Troya y el errático regreso a casa de Odiseo (Ulises) y sus hombres.
Se ha visto en el fresco una representación de las siete artes liberales: en
primer plano, a la izquierda, gramática, aritmética y música; a la derecha,
geometría y astronomía; en lo alto de la escalinata, retórica y dialéctica. Los
dos grupos en el proscenio simbolizan las ciencias de los números en sus dos
aspectos, musical y astronómico. La tablilla sostenida por un niño a los pies de
Pitágoras lleva signos simbólicos, esquemas de las concordancias musicales.
"El dedo de Platón expresa la orientación final: de la ciencia de los
números a la música, de la música a la armonía cósmica, de ésta al orden divino
de las ideas."
La religión islámica surge en la península Arábica en el s. VII d.C. En este siglo Bizancio y Persia están muy enfrentadas, por lo que el comercio no pasaba por esa zona y se iba por rutas del sur, por la península arábica; debido a esto la economía se basaba en la agricultura.
Antes de aparecer el Islam, la religión de esos pueblos era politeísta, cada tribu o familia tenía sus dioses. Mahoma, perteneciente a las altas élites, decide crear una religión monoteísta para congregar a todos los fieles bajo un mismo dios. Pero debe huir de la Meca con sus fieles a Medina, donde Mahoma consigue tanto poder religioso como político.
El arte de esta época es sobre todo de tipo arquitectónico, más que plástico, ya que la religión planteó que Alá (Dios) no se sabía como es, y que era el único creador de la vida. Para ellos sobraban todo tipo de "añadidos", ya que no pueden crear cosas de las que creo dios. La decoración es de tipo mosaicos abstractos.
En el 722 el Califa reune tanto el poder religioso como civil. Jazid II elimina las imágenes por medio de un decreto. Cuatro años después el emperador Bizantino León III hace lo mismo, pero a él se le revelaron los monasterios.
Incorporación de la Península Ibérica al Islam:
En el 711 d.C. llega a la península ibérica el Islam. La península tenía una monarquía visigoda en la cúal el rey Don Rodrigo no era muy querido por el pueblo Godo. El Imperio Árabe se encuentra en plena expansión y el Visigodo está muy mal.
Entran en la península alrededor de 12.000 hombres, entre los dirigentes árabes y norteafricanos (bereberes). En unos 40 años ya tenían más o menos controlado el territorio, ya que apenas encontraron resistencia. Existían pactos que prometían conservar iglesias, religión... a cambio de prestaciones en especias y alimentos. Estos pactos y otras circunstancias, como una economía fuerte y la eliminación de algunos impuestos, permiten la rápida islamización y el dominio del territorio.
Este período dura hasta finales del s. XV d.C. Arte nazarí o granadino (s. XIII-XV) Al-Andalus sufrió una serie de cambios en el gobierno en su etapa en la península ibérica. En cada una de las etapas podemos apreciar características específicas en su arte. La etapa que nos interesa es la última, denominada arte nazaraí o granadino, entre los años 1212-1492).
En el s. XIII caen muchas taifas, y la arquitectura presenta una serie de características:
Sobriedad exterior frente a una profusa decoración interior.
Los materiales son muy humildes (yeso, ladrillo, argamasas, tapial).
Yeso decorado y alicatados.
Se emplea de nuevo la columna, pero muy delgada.
Manejan arcos campanarios.
El ejemplo más claro es la Alhambra de Granada (Al-Qala al-Hambra). Se trata de un conjunto de espacios supuestamente aislados, pero en realidad conectados entre si (con la conquista se separan).
En la época, cada Sultán va añadiendo cosas interrelacionadas con las épocas anteriores. Se van implicando los espacios naturales con los arquitectónicos. De lo más característico es el fuerte contraste entre el exterior y el interior.
Ahora veremos con más detalles como es esta construcción y todos sus espacios anexos. HISTORIA:
La Alhambra es una ciudad amurallada (medina) que ocupa la mayor parte del cerro de La Sabika. La Granada musulmana tenía su propio sistema de amurallamiento, por tanto la Alhambra podía funcionar con autonomía respecto a la ciudad. En la Alhambra se encontraban todos los servicios propios y necesarios para la población que vivía allí: palacio real, mezquitas, escuelas, talleres, etc.
En 1238 entra en Granada por la Puerta de Elvira, y para ocupar el Palacio del Gallo del Viento, Mohamed-Ben-Nazar (o Nasr), llamado Al-Ahmar el Rojo (ya que tenía la barba roja).
Cuando Al-Ahmar (Mohamed Ben Nazar) entró triunfador en Granada en ese año de 1238, la población le recibió con el grito de «Bienvenido el vencedor por la gracia de Alá», él respondió: «Solamente Alá vence». Éste es el lema del escudo nazarí y también está escrito por toda la Alhambra. Al-Ahmar construyó el primer núcleo del palacio. Su hijo Mohamed II, que fue amigo de Alfonso X el Sabio, lo fortificó.
El estilo granadino en la Alhambra es la culminación del arte andalusí, lo que ocurrió a mediados del siglo XIV con Yusuf I, que construyó la Torre de Comares, y con Mohamed V, quien edificaría el Patio de los Leones.
En 1492, con la conquista de Granada por los Reyes Católicos, la Alhambra pasa a ser palacio real. Íñigo López de Mendoza, conde de Tendilla, fue el primer alcaide cristiano de la Alhambra. Hernando del Pulgar, cronista de la época, cuenta: «El conde de Tendilla y el Comendador Mayor de León, Gutierre de Cárdenas, recibieron de Fernando el Católico las llaves de Granada, entraron en la Alhambra y encima de la Torre de Comares alzaron la cruz y la bandera».
La ocupación napoleónica supuso un episodio negativo para la Alhambra. En 1812, el ejército francés, en su retirada de Granada, decidió volar la Alhambra con diversas cargas explosivas conectadas por un reguero de pólvora. Para entonces ya se habían venido abajo algunos torreones defensivos, como la Torre de los Siete Suelos.
Sólo el arrojo de un soldado español pudo evitar su total destrucción, al interrumpir el curso de las explosiones.
El Comité del Patrimonio de la Humanidad de la Unesco declaró la Alhambra y el Generalife de Granada como Patrimonio de la Humanidad en su sesión del día 2 de noviembre de1984 y cinco años después, el barrio de El Albaicín (Al Albayzín), antigua ciudad medieval musulmana, obtuvo la misma denominación como extensión de la declaración como Patrimonio Cultural de la Humanidad de La Alhambra y el Generalife. La Alhambra fue uno de los 21 candidatos finalistas para ser una de Las nuevas siete maravillas del mundo moderno, aunque finalmente no fue elegida a formar parte del grupo.
Características de la arquitectura del arte islámico:
Durante la Edad Media convivieron en Europa múltiples civilizaciones que dejaron constancia de ello a través del arte. En este post, como habréis podido imaginar, vamor a hablar de uno de los ejemplos más claros de arte islámico: la Alhambra de Granada.
Se trata de un obra de tipo arquitectónico. La arquitectura islámica consiste en una síntesis del mundo clásico, bizantino, cristiano y persa, adaptándolos hasta crear su propio estilo.
Manejaban dos tipos de arquitectura: arquitrabada y abovedada. También utilizaban todo tipo de materiales (piedra, ladrillo, cemento, etc.).
Su desarrollo en la península tuvo lugar entre los s. VIII d.C. y XIV d.C. Durante su época de esplendor se utilizaron materiales nobles, pero durante los s. XII, XIII y XIV los materiales fueron más pobres. Los soportes básicos son el pilar (generalmente de ladrillo) y la columna (capiteles acántaro) pero más esquematizado.
La arquería es muy variada: arco de medio punto, de herradura, apuntado, lobulado, poli-lobulado, mixtilíneo (entrelaza secciones rectas y curvas), etc. Utilizaban cubiertas arquitrabadas (parecido al mundo clásico), bóvedas (con arcos potentes sustentantes) y cúpulas.
Hay un evidente contraste, los exteriores son muy austeros y los interiores muy decorados y lujosos, siempre y cuando se pudiera, incluso en las obras públicas. La decoración interior es muy variada: atauriques (basado en las plantas), epigrafía (escrituras con carácter decorativo), lacería (tipo de estalactita)...
DESCRIPCIÓN DE LOS EDIFICIOS
LA ALCAZABA
La alcazaba constituía la zona militar, centro de la defensa y vigilancia del recinto y con ello fue la parte de construcción más antigua de la Alhambra. Las primeras edificaciones árabes realizadas se corresponden con la época califal, en el siglo XI, ampliándose las mismas al convertirse Granada en capital de uno de los reinos de Taifas. Los elementos principales son:
Terraza de la Torre del Cubo. Torre semicircular, construida alrededor de 1586, sobre una puerta islámica, fue vaciada en el siglo XX. Hoy en día constituye una terraza de privilegio para la contemplación del valle del Darro y el Albaicín.
Adarve de la muralla norte.
Plaza de Armas.
Terraza de la plaza de Armas.
Torre de la Vela, constituía la torre de defensa más grande del conjunto militar, por su altura domina toda la vega granadina. Su nombre procede de la campana que los cristianos colocaron en la torre tras la conquista de la ciudad.
La Torre del Homenaje. Se levanta en la parte más alta de la fortaleza, tiene algo más de 22 metros de alto y en su interior se distinguen seis pisos. El nivel más alto pudo servir a los alcaides del recinto de centro de operaciones de la defensa.
Torre de los Hidalgos.
La Torre Quebrada.
La Torre Adarguero. Estas tres últimas torres dan a la gran explanada.
Jardín de los Adarves, fue creado en el siglo XVII, cuando la fortaleza perdió su carácter defensivo. Existen buenas panorámicas desde este jardín.
PALACIOS NAZARÍES. PRINCIPALES ESTANCIAS:
Los palacios nazaríes son el conjunto formado por el Palacio de Comares, construido en primer lugar, y el Palacio de los Leones. Cronológicamente fueron levantados después de la alcazaba, el generalife y el Partal, siendo su construcción del primer tercio del siglo XIV. Constituía la sede de las funciones administrativas, de la corte, protocolo y retiro y disfrute privado. Al bajar las escaleras de acceso, se van encontrando las siguientes dependencias:
MEXUAR
Es la sala más antigua. En época árabe servía de sala de audiencia y justicia para casos importantes. Tenía una cámara elevada cerrada por celosías donde se sentaba el sultán a escuchar sin ser visto. No existían las ventanas laterales. Tenía el techo abierto en su parte central. Al fondo se encuentra una pequeña habitación, que servía de oratorio, desde donde se divisa el Albaicín, se encuentra orientado de forma diferente a la muralla, para cumplir su función religiosa. La decoración es el resultado de multitud de intervenciones entre el siglo XVI y el siglo XX. En tiempos cristianos se utilizó esta sala como capilla. A continuación se entra en un patio con fuente en el centro y una cámara a la izquierda, denominado patio del Mexuar.
PATIO DEL MEXUAR O DEL CUARTO DORADO
No se conoce con certeza el destino dado a esta zona en época árabe. Si se conoce que se adaptó como habitación para Isabel de Portugal, para su estancia en la Alhambra, aunque nunca llegó a ocuparla. En la fachada del cuarto destacan los capiteles de su arco de entrada. Dentro del cuarto sobresale la techumbre, en madera de cedro, y decoración de piñas y conchas. Bajo él, ventanas cerradas con celosías. Dos portadas rectangulares bordeadas de cenefa de cerámica. La estancia está decorada con pinturas góticas y escudos y emblemas de los Reyes Católicos.
Existen dos puertas, una que conduce al palacio oficial y otra que no conduce a ningún lugar. La que conduce al palacio es más sencilla que la otra, se trataba así de confundir a los asaltantes y ladrones.
La fachada del palacio fue erigida por mandato del Mohamed V, siendo inaugurada en 1370, es una fachada interior que no anticipa la majestuosidad del interior del palacio.
SALA DE LA BARCA
Desde la galería norte del Patio de los Arrayanes y a través de un arco apuntado democárabes, accedemos a la sala de la Barca, llamada así ya que presenta ricas yeserías con el escudo nazarí y dentro de él, la palabra «Bendición», que en árabe se dice "Baraca", y que los castellanos escucharon como "Barca"; otra explicación podría ser que el nombre proviene por tener un artesonado magníficamente ensamblado en forma de casco de barco. Esta sala, de forma rectangular de 24 metros por 4,35, parece ser que era más pequeña en un principio, y su ampliación fue realizada por Mohamed V. En esta sala existió una bóveda semicilíndrica que fue destruida por el fuego del incendio de 1890, sustituida por una reproducción de aquella que fue totalmente terminada en 1964. Los muros presentan las yeserías con el escudo nazarí y la palabra «Bendición» y el lema de la dinastía «Sólo Dios es vencedor».
La sala se encuentra rodeada por un zócalo en cuyos extremos encontramos alcobas con zócalos de azulejos, que revisten las columnas que sujetan arcos peraltados y festoneados de mocárabes y pechinas. Desde aquí se accede al Torreón de Comares, presidido por el Salón de los Embajadores.
TORRE DE COMARES, SALÓN DE COMARES O SALÓN DE LOS EMBAJADORES
Desde el patio de los Arrayanes destaca en uno de sus extremos, el imponente torreón de Comares, se accede a él por la sala de la barca. El salón de Comares es la estancia más amplia y elevada de todo el palacio, ocupa el interior de la Torre de Comares, dominando con su vista el valle del Darro. Su construcción data del segundo tercio del siglo XIV, siendo sultán nazarí de Granada, Yusuf I, aunque probablemente no viera terminada la obra que ordeno construir y adornar ricamente, ya que diversas inscripciones atribuyen su autoría a su hijo Mohamed V, su función principal era celebrar las audiencias privadas del sultán.
Presenta planta cuadrada de 11 metros de lado y 18 de altura, originalmente el suelo era de mármol y en la actualidad de barro. En el centro de la sala se puede observar un cuadrado con el nombre de Alá escrito sobre azulejos. Es un lugar con un contenido poético muy rico, podemos encontrar distintas composiciones, alabanzas a Dios y al emir y también algunos fragmentos del Corán. Cada centímetro de la pared está cubierto por algún elemento decorativo.
En los laterales del salón hay 9 alcobas, tres por cada uno de los lados del salón, correspondiendo la alcoba central del lado norte al sultán, también se abren una serie de ventanas cerradas antiguamente por celosías de madera y vidrieras de colores llamadascumarias, (de ahí el nombre de comares). Todas las paredes están cubiertas de yeserías con motivos de conchas, flores, estrellas, escrituras. Sala policromada: oro en el relieve, colores claros en lo profundo. Zócalo decorado con azulejos. El suelo original era de cerámica vidriada en blanco y azul con escudos de armas como motivos ornamentales.
Las paredes están, además, decoradas con versículos coránicos y poemas realizados en yesería, lo que le debían conceder a esta sala en sus orígenes, con la decoración que no nos ha llegado, con sus juegos de luz y su ambiente cortesano, una de las salas palaciegas más impresionantes del mundo islámico. La calefacción era de braseros y la iluminación con lámparas de aceite.
Uno de los aspectos más atrayentes del Salón de los Embajadores es su techo, de forma cúbica. En él se representan los siete cielos de la cultura musulmana, situados uno encima de otro. El Corán dice que sobre ellos está el trono de Dios; todo el techo está lleno de estrellas, en total son ciento cinco.
Salimos otra vez al Patio de los Arrayanes. En un extremo del lado izquierdo del patio, un pequeño arco sirve de ingreso a un pasadizo por el que se llega a la zona privada del monarca, el Harén (Haram significa lugar privado). Se accede al Palacio de los Leones a través de:El techo es una representación del Universo, quizás una de las mejores representaciones de la Edad Media. Realizado en madera de cedro con incrustaciones de maderas de diferentes colores, va formando estrellas superpuestas que forman diferentes niveles. En el centro y lo más elevado está el Escabel (عرش) sobre el que se establece Dios-Alláh según los relatos coránicos. Desde éste se van repitiendo las figuras geométricas que dividen el techo en siete espacios, que representan los 7 cielos que descienden consecutivamente hasta este mundo: el 7 es uno de los números simbólicos por excelencia. Entre todos ellos configuran el Trono (كرس), que es el símbolo de la creación entera. Este uso simbólico decosmología coránica -con tantas alusiones al Escabel, el Trono, al Rey que se asienta sobre él- tiene una clara intención de legitimar al soberano como representante (jalifa de donde viene califa) de Dios en la tierra. El hecho de que el salón fuese el salón del trono, que estaba situado en su centro, justo debajo del escabel divino, es una clara referencia a esto. Pero la simbología de la sala no acaba ahí: las 4 diagonales del Techo de Comares representan los cuatro ríos del Paraíso y elÁrbol del Mundo (o Axis Mundi), que teniendo sus raíces desde el Escabel se expande por todo el Universo. Pero no acaba ahí su simbología: las alcobas, nueve presentes (tres en cada muro), más tres omitidas para dejar el paso a la sala de la baraka, son una referencia a las doce casas zodiacales, en correspondencia con el papel de séptimo cielo que ocupa esa altura.
SALA DE LOS MOCÁRABES
Se llama así por la bóveda de mocárabes que la cubría. La de hoy es del siglo XVII. Muros con labor de yesería, inscripciones religiosas y escudo de la dinastía Nazarí.
Vista del denominado patio de los arrayanes, de la alberca o de Comares, en el fondo se contempla el torreón de Comares.
PATIO DE LOS LEONES
Patio y fuente de Los Leones
Se comenzó su construcción en 1377, por deseo de Mohamed V, hijo de Yusuf I, siendo su alarife mayor Abén Cecid, concluyéndose trece años después. Los árabes de Granada, antes de llamar al Patio de los Leones Sahan al-Osud, lo hicieron con la denominación de Al-Haram. De planta ligeramente trapezoidal, el lado oriental es mayor que el que da a poniente (el de la sala de Mocárabes), el largo del conjunto, -219 pies, incluyendo las salas de Mocárabes y Reyes es igual al triple del ancho del Patio en su lado menor o de poniente (73 pies)-, rodeado por una esbelta galería con 124 columnas de mármol blanco de Macael(Almería), las cuales se agrupan, a más de las exentas, en conjunto de dos, tres, y hasta cuatro en las esquinas, sustentando, o bien sólo apuntalando, las arcadas de filigrana, siendo simétricos los lados mayores y asimétricos los menores, de los que avanzan sendo pabellones hacia el patio, en cuya intersección de ejes transversales y longitudinal se ubica la fuente con los doce leones que le da nombre. Alrededor, las alcobas, salas privadas del sultán y esposas con piso alto abierto, falta de ventanas que miren al exterior, pero con jardín interior como corresponde a la idea musulmana del paraíso. De cada sala fluyen 4 arroyos que van al centro: los 4 ríos del paraíso. Las columnas se unen con paños calados que dejan pasar la luz. Fustes cilíndricos muy delgados, anillos en la parte superior,capiteles cúbicos sobre los que corren inscripciones. Las planchas grises de plomo convierten los empujes horizontales en verticales. Los dos templetes que avanzan a los dos lados opuestos del patio son como un recuerdo de la tienda de campaña de los beduinos. Son de planta cuadrada, decorados concúpulas de madera que se apoyan en pechinas de mocárabes. El alero es obra del siglo XIX. Toda la galería está techada conartesonado de lacería..
FUENTE DE LOS LEONES
Los últimos datos conseguidos gracias a la restauración de los leones y la taza de la fuente han podido indicar que, tanto los leones como la taza, datan del siglo XIV y de la misma procedencia y material (mármol de Macael, Almería) siendo fabricada la fuente en su conjunto, tanto leones como taza, al mismo tiempo. Este descubrimiento viene a rectificar las informaciones que indicaban la procedencia de los leones de un palacio, anterior a la alhambra, perteneciente al primer visir de la dinastía zirí Samuel Ibn Nagrella. A su vez, se ha podido descubrir tres tipologías de leones en base a sus elmentos formales diferenciadores. Cada una la conforma un grupo de cuatro leones con similitud dos a dos en sus rasgos: nariz, pelaje de la melena, fauces y posición y relieve de la cola.
"(...)A tan diáfano tazón, tallada perla, por orlas el aljófar remansado, y va entre margaritas el argento, fluido y también hecho blanco y puro. Tan afín es lo duro y lo fluyente que es difícil saber cuál de ellos fluye(...)"
La fuente de los leones tiene diversas significaciones o simbologías, ninguna de ellas corroboradas. Por una parte los doce leones tienen una simbolización astrológica, cada león alude a un signo zodiacal. Por otra, tiene una significación política o mayestática que está relacionada con el templo del rey Salomón (puesto que hay una inscripción en la fuente referida a este) y el mar de bronce del mismo templo. Por última y la más importante, alude a un símbolo paradisíaco refiriéndose así a la fuente, originaria de la vida y los 4 ríos del Paraíso. Pero lo que si se puede decir, es que la fuente como tal es una alegoría del poder que reside en el sultán.
SALA DE LOS ABENCERRAJES
Esta sala fue alcoba del sultán. Al ser cuarto privado no hay ventanas al exterior. Los muros están ricamente decorados. El estuco y los colores son originales. El zócalo de azulejos es del siglo XVI, de la fábrica de azulejos sevillana. La cúpula está decorada con mocárabes; en el suelo, en el centro, una fuentecilla servía para reflejar la cúpula de mocárabes, que al estar ricamente decorada, conseguía una luz encantadora y mágica, pues al entrar la luz por la parte superior iba cambiando según las distintas horas del día.
SALA DE LOS REYES
Ocupa todo el lado oriental del patio. Llamado así por la pintura que ocupa la bóveda del cuarto central. Es la sala más larga del Harén, dividida en 3 cuartos iguales y dos pequeños que pudieran ser armarios, por su emplazamiento y falta de iluminación. Probablemente destinada a fiestas familiares. En la bóveda del centro, las pinturas representan a los 10 primeros reyes de Granada desde la fundación del reino, uno de ellos con barba roja que puede ser Mohamed ben Nazar llamado Al-Hamar el Rojo, fundador de la dinastía Nazarí. En las bóvedas laterales hay pinturas que representan caballeros y damas, realizadas a fines del siglo XIV. Hubo un intercambio artístico en tiempos de Pedro I de Castilla quien solicitó ayuda al rey de Granada para restaurar los Reales Alcázares de Sevilla. Las pinturas llevan una técnica muy laboriosa:
Planchas de madera de peralejo bien cepillada y formando una elipse.
Sobre la superficie cóncava se extiende el cuero mojado, pegándolo con un baño de cola y claveteado con pequeños clavos de cabeza cuadrada cubiertos de estaño para evitar la oxidación.
Sobre el cuero, una capa de yeso, caña y cola de 2 cm de espesor ya tostada y pintada en rojo. Sobre esta capa y con un punzón se dibujan los temas.
La división interna de la sala está realizada mediante arcos de atajo, cortando la estancia de forma perpendicular. Estos arcos muestran su intradós repletos de mocárabes y sus paramentos están cubiertos por yeserías, en los que aparecen símbolos nazaríes y también cristianos. La apariencia conjunta de la sala con sus arcos decorados puede recordar algún modelo de mezquita almohade.
SALA DE LAS DOS HERMANAS
Se sale del Patio de los Leones por el lado opuesto a la Sala de los Abencerrajes. Se pasa una puerta original de taracea, una de las más bellas del palacio, actualmente conservadas en el Museo de la Alhambra. El nombre de Dos Hermanas procede de las dos losas de mármol blanco que hay en el suelo a ambos lados de la fuente central, exactamente iguales en tamaño, color y peso. Tiene un mirador sobre la ciudad y comunicación directa con los baños.
En cada cuarto del harén hay dos puertecillas: una da al harén alto, otra es una letrina. No hay cocinas. Empleaban el anafe o cocinaban fuera.
Esta sala, al igual que toda la Alhambra, tiene poemas escritos en las paredes. En esta sala se puede leer uno que dice:
"Sin par, radiante cúpula hay en ella con encantos patentes y escondidos"
(...) "Nunca vimos jardín tan verdeante, de más dulce cosecha y más aroma".
SALA DE LOS AJIMECES Y MIRADOR DE DARAXA O LINDARAJA
Al fondo de la sala anterior está el Balcón de Lin-dar-Aixa. Daba al valle del río Darro y se veía a lo lejos la ciudad. La construcción del Pabellón de Carlos V interrumpe ahora la vista, por eso se construyó el Jardín de Lindaraja, italiano, con fuente renacentista y taza de mármol árabe. En el mirador de Lindaraja, se puede leer el siguiente poema: "Yo soy de este jardín el ojo fresco" (...) "En mi, a Granada ve, desde su trono"
HABITACIONES DEL EMPERADOR
Con el nombre de habitaciones del Emperador, se conocen los seis aposentos, que fueron construidos durante el reinado de Carlos V, entre 1528 y 1537 y que configuran el patio de Lindaraja, hacia un lado y el Patio de la Reja, hacia el otro.
El mirador de Daraxa o Lindaraja es uno de los espacios de todo el recinto con mayor riqueza decorativa, siendo uno de los lugares preferidos en época de Carlos V.
CUARTO DEL EMPERADOR.
Construido para que el rey Carlos habitase aquí mientras estaba en Granada, en su viaje de bodas. En el cuarto siguiente a éste hay una placa de mármol en memoria del escritor Washington Irving que residió en esta parte del recinto, mientras escribía sus Cuentos de la Alhambra, en 1829.
EL PEINADOR DE LA REINA
Torre árabe llamada de Abul-Hachach, usada por el sultán para recreo y meditación. Tras la conquista cristiana fue reformado. La planta superior pudo servir como tocador real y podría haber sido utilizado por la reina Isabel de Farnesio. Su estructura tiene influencias romanas por la presencia del mirador con la galería porticada y su decoración pictórica.
PATIO DE LA REJA O DE LOS CIPRESES
Se accede a este patio desde la última de la habitaciones de Carlos V, su construcción data de tiempos de Carlos V, al construirse las habitaciones del emperador.
EL PARTAL
Debe su nombre a la voz árabe que significa pórtico, y se refiere a los restos de la residencia del Sultán Yusuf III, el más septentrional de los Palacios Nazaríes.
Corresponde a la zona de las viviendas de los criados de Palacio.
Pórtico del Palacio
Jardines y paseos
Rauda
Palacio de Yusuf III
Paseo de las Torres:
de los Picos
de las Infantas: Construida en1445. Es la mejor conservada. Buen ejemplo de lo que era una vivienda andalusí con todas sus comodidades. Es un palacete con bancos a la entrada para los eunucos, patio interior con alcobas, entrada en recodo, fuente en el centro, ventanas a los huertos de flor (en este caso, el Generalife), piso superior para las damas. Arriba, terraza. El techo era de mocárabes y desapareció en un terremoto. Curiosa bóveda de entrada. Residencia de las hermanas Zaida, Zoraida y Zorahaida, cuya historia narraWashington IrvingenCuentos de la Alhambra.
de la Cautiva: Suntuosa construcción de Yusuf I. Debe su nombre a Isabel de Solís, que como dice el nombre de dicha torre estaba allí cautiva. Entre sus poemas se puede leer:
"En sus zócalos, de obra de azulejos,
y en su suelo, hay prodigios cual tejidos".
BAÑOS
La joya de la casa árabe. El baño para el musulmán es una obligación religiosa. La construcción es copia de las termas romanas. Tienen 3 salas:
Cambio de ropa y descanso. Sala de las camas y reposo. Aquí se desnudaban, pasaban luego al baño y volvían a descansar. A veces les traían aquí la comida. En la galería alta había músicos y cantores.
Masaje. Sala de refresco o masaje. Son dos galerías con arcos.
Vapor. Sala de vapor. Más pequeña. Las bóvedas están abiertas con tragaluces en forma de estrella que en su día estaban cubiertos con cristales de colores, pero no herméticos, de manera que pudiese salir el vapor y entrar el aire fresco.
PALACIO CARLOS V
Su nombre procede de que fue realizado para residencia del emperador Carlos, aunque no queda constancia de que nunca llegara a habitar en él. Está situado junto al Palacio nazarí de Comares, y representa un gran contraste con la arquitectura islámica del resto del recinto. Presenta planta cuadrada, con patio circular, fue diseñado por Pedro Machuca. Sorprendente por el año de construcción (1527), muy temprano para sus características que lo encuadran dentro del manierismo: columnas dóricas en el primer piso, jónicas en el segundo, y friso con cabezas de toro (bucráneos) de tradición grecorromana. En algunos aspectos, repite o anticipa ciertas soluciones arquitectónicas del manierismo en Italia, lo que se explica por la estancia de Machuca en dicho país y por su habilidad para desarrollar con inventiva propia ciertos rasgos del incipiente estilo manierista. La construcción se vio interrumpida en el siglo XVII, hasta que se completó en el siglo XX.
Su fachada es totalmente renacentista. El primer cuerpo, estilo toscano con almohadillado. El segundo con elementos de decoración del barroco. Sobre la puerta principal, dos estatuas aladas de mujer reclinadas en el frontón. Arriba, 3 medallones enmarcados en mármol verde. En los laterales, escenas de Hércules. Los anillos de hierro de la parte baja son pura decoración.
detalle del palacio de Carlos V
CONVENTO DE SAN FRANCISCO
Es el actual Parador de Turismo. Fue casa noble andalusí. Después de la conquista se donó a los franciscanos siendo así el primer convento de Granada. Patio andalusí bien conservado, con mocárabes, balcón cerrado con celosías y aljibe.
SECANO O ALHAMBRA ALTA
Se está estudiando actualmente con excavaciones. Barrio del pueblo andalusí y de nobles. Ruinas del Palacio de los Abencerrajes. Torre del Agua, por donde entra en el recinto la Acequia Real.
TORRE DE LOS SIETE SUELOS
Sólo se han encontrado 4, (bajo sus pies). Famosa por aparecer en algunas de las aventuras de los Cuentos de la Alhambra, deWashington Irving, ambientadas en ella. La leyenda dice que Boabdil abandonó el palacio desde este local.
GENERALIFE
El Generalife, el Yannat al-arif en tiempos nazaries, es la villa con jardines utilizada por los reyes musulmanes de Granada como lugar de retiro y descanso. La parte más importante está constituida por sus jardines, fue concebida como villa rural, donde jardines ornamentales, huertos y arquitectura se integraban, en las proximidades de la Alhambra. Fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.
Se inició su construcción durante los siglos XII y XIV y fue transformado por Abu I-Walid Isma'il. Es de estilo árabe nazarí y está situado en el lado septentrional de la Alhambra.
Cerca del Generalife, y relacionados con él, se encuentran diversas construcciones de época nazarí, como Los Albercones, los restos del palacio de Dar al-Arusa, la Alberca Rota y la Silla del Moro.
ARTES PLÁSTICAS:
Por último, vamos a hablar un poco de las artes plásticas del mundo islámico. El arte islámico destaca por la decoración. Las esculturas no suelen estar en las mezquitas, pero sí a veces en construcciones civiles.
En la Alhambra de Granada se nota la influencia oriental. En la fuente de los leones, las esculturas tienen influencia mayoritariamente persa. Se trata de un arte que no refleja naturalidad.
En la pila de la Alhambra (s.X-XI), el relieve tiene influencias mesopotámicas.
Pintura hay muy poca, quizás donde más haya sea en la Sala de los Reyes de la Alhambra también, en la cuál la bóveda está pintada, de finales del s. XIV y principios del XV.
PLANO DE LA ALHAMBRA:
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