Yoko Ono es una artista japones nacida el 18 de febrero de 1933 en Tokio.
Segunda esposa de John Lennon, quien le dedicó parte de su trabajo. Ambos se casaron en Gibraltar el 20 de marzo de 1969.
Yoko Ono pertenece a la aristocracia japonesa y formó parte del movimiento vanguardista de la década de los 60, era integrante del grupo Fluxus.
Adepta del arte conceptual, en el cual las ideas son el motor y la esencia de la obra de arte, pudiendo llegar a ser incluso más importantes que su forma física y el empleo de técnicas de realización. En el arte conceptual, el contenido, el mensaje, el estímulo al pensamiento y la crítica son ya por sí mismos el arte.
EnValencia, se expone la obra EX-ITde la artista, en la galería al aire libre delL'Umbracle, dentro del entorno de la Ciudad de las Artes y de las Ciencias.
Yoko Ono llegó al punto de componer canciones que sólo existían en su mente, de organizar conciertos en que el público tenía que imaginar por sí mismo la música que oía. Editó un célebre libro de dibujos y piezas de arte, Grapefruit (Pomelo), varias películas conceptuales (como Fly) e innumerables discos marcados por el experimentalismo. Entre ellos se destacan las obras maestras Yoko Ono/Plastic Ono Band, Fly, Approximately Infinite Universe (años 1970) y Season of Glass (años 1980).
Yoko Ono/Plastic Ono Band. Why?
En los años 1990, sacó dos discos que fueron muy bien recibidos por la crítica: Risingy Blueprint for a Sunrise. Hasta hoy, sus mayores éxitos han sido "Walking on Thin Ice" y, en menor nivel, "Never Say Goodbye".
Sus discos en colaboración con John Lennon incluyen Unfinished Music No.1: Two Virgins, Unfinished Music No.2: Life with the Lions, Wedding Album, Some Time in New York City, Double Fantasy y el póstumo Milk and Honey.
En los últimos años, un proyecto de remezclas de sus antiguos clásicos ha tenido muchísimo éxito, y muchas de sus más clásicas y hasta entonces desconocidas canciones accedieron a los primeros puestos de las paradas Dance/Club Play Songsde Billboard, como "Walking on Thin Ice", "Hell in Paradise", "Everyman, Everywoman" y "Open Your Box".
Gran parte de la obra de Yoko (artes plásticas y música) trata de temas como libertad de pensamiento, paz, lucha contra el racismo, la homofobia y el sexismo y la valoración de las pequeñas grandes sensaciones cotidianas. Una característica marcante de su arte (canto, escritura, música, películas, dibujos etc.) es la economía de recursos generadores de un máximo efecto. Los mismos motivos resurgen en su obra en diversos momentos, adaptados, reaprovechados y cargados de nueva significación.
Yoko Ono ejerció una gran influencia personal y profesional sobre John Lennon. La artista japonesa se hizo notar desde los primeros momentos de la relación.
Muchos dicen que Yoko es responsable de la separación de los Beatles, mito desmentido por Paul Mccartney, ya que dice que sin ella John no habría podido escribir grandes canciones como "Imagine" y muchas que se incluyen en el album Definitive Lennon.
IMAGINE. JOHN LENON:
Las filmaciones durante las sesiones de grabación de Let It Bemuestran un grupo de por sí cansado y al borde de la exasperación por parte de todos sus miembros. Como Paul Mccartney dijo "Mil cosas se podrán decir, pero la verdad solo la conocen 4"
CUT PIECE. YOKO ONO. (1964)
Pieza cortada
Esta pieza fue realizada en Kyoto, Nueva York y Londres. Por lo generals se lleva a cabo por Yoko Ono y se interpreta desde el escenario, colocando un par de tijeras enfrente de ella y pidiendo a la audiencia que vaya al escenario uno a uno. Seguidamente le corta una parte de su ropa ( en cualquier lugar que les guste) y se lo llevan. El artista no tiene porque ser una mujer.
"Cut Piece es sobre liberarse de sí mismo ..."
Tradicionalmente, el yo del artista se encuentra en la obra del mismo. En otras palabras, el artista debe dar su ego al público. Yo siempre había querido producir trabajo sin ego en él. Yo estaba pensando en este tema cada vez más, y el resultado de esto fue cortar el pedazo. En lugar de dar al público lo que el artista elige para dar, el artista da lo que el público decida tomar. Es decir, se corta y se toma cualquier parte que desee, esa fue mi sensación acerca de su propósito.
Es una forma de dar que tiene mucho que ver con el budismo. Hay una pequeña historia alegórica sobre Buda. Dejó a su castillo con su esposa e hijos, y estaba caminando hacia una montaña para entrar en meditación. Mientras caminaba a lo largo, un hombre dijo que quería los hijos de Buda porque quería venderlos o algo así. Entonces Buda le dio a sus hijos. Luego alguien dijo que quería la esposa de Buda y le dio a su esposa. Alguien grita que él es frío, así que Buda le da su ropa. Por último, un tigre viene y dice que quiere comérselo y Buda se entrega. Y en el momento en que el tigre se lo come, se convirtió en iluminación. Esto una forma de donación total muy diferente a la de dar racionando como "lógicamente se merece esto" o "Creo que esto es bueno, por lo tanto, le doy a usted."
La ropa en los sesenta fué muy importante para mí porque tenía poca. Pero cuando interpretaba Corta la pieza, siempre me aseguré de ponerme mi mejor traje. Fue la ruina total. Perdía mi mejor traje cada vez que llevaba a cabo la obra. Se puede pensar que hubiera sido correcto usar la ropa más barata ya que iba a cortarse, pero estaba totalmente en contra de mis intenciones. Este evento lo repetí en varios lugares diferentes, y mi armario se iba haciendo más pequeño. Sin embargo, cuando me sentaba en el escenario en frente de la audiencia, sentía que esa era mi verdadera contribución. Así era como me sentía.
El público estaba tranquilo y quieto, y me parecia que todo el mundo estaba en la expectativa. Mientras lo hacía, quedaba mirando al espacio. Me sentía como si estuviera rezando. También sentía que estaba dispuesta sacrificarme. No era una cuestión feminista, per se. Tenia que ver con la parte positiva y negativa de dar que si queremos , podemos hacer que sea positiva. Y lo más curioso era que la mayoría de la gente pensaba lo contrario, que era el cuerpo el que estaba siendo violado. Pero cuando esta obra fue realizada por Charlotte Moorman en un convento, las monjas dijeron: "Bueno, esto es lo que estamos haciendo." Se omite la connotación sexual entendido totalmente la connotación filosófica y el lado positivo, que se transmitía.
Cuando fui a Londres - swinging London, entonces - el momento en el que me puse las tijeras en frente de mí, 20 personas se acercaron al escenario y me dejaron totalmente desnuda. Todo depende de la audiencia realmente, es un diálogo entre el público y yo.
En el año 2003 en París en No corto el pedazo la cosa fue diferente. La gente tenía miedo de mi. Un amigo que casi nunca viene a mis actuaciones, aquel año me acompaño como un guardaespaldas, eso fue muy dulce. Mis amigos me dijeron que yo necesitaba un guardaespaldas, pero mi filosofía es que tenemos que confiar en los demás. En Corta la pieza pedía que la gente viniera al escenario y que cortaran la pieza que más le gustara de mí. En el año 2003 pedía que esa pieza de ropa se la regalen a la persona que más amen. Cuando lo hice en 1965 lo hice como una mujer que quería enfrentar la ira y las turbulencias del momento, además sólo me estaba comunicando con un pequeño grupo de personas- en su mayoría intelectuales. La última vez no me comunicaba con nadie, era un público muy abundante. Lo hice por amor al mundo y tú, al mundo y yo. Creo que sí se puede llevar un sentimiento de amor por los demás, eso es muy importante.
Yoko Ono.
CUT PIECE. YOKO ONO.
Primera versión para un solo actor : tiempo medio: 30 '
El protagonista se encuentra en el escenario con un par de tijeras colocadas delante de él.
Se anuncia que los miembros de la audiencia pueden venir en el escenario
- uno a la vez - para cortar un pequeño trozo de la ropa del actor a tomar con ellos.
Artista permanece inmóvil en toda la pieza.
pieza termina en la opción de los artistas.
Segunda versión para el público :
Se anuncia que los miembros de la audiencia pueden cortar la ropa del otro. El público puede reducir el tiempo que quieran.
Guión de "Strip Tease Show ', principios de la primavera de 1966.
Pieza cortada se realizó por Yoko en Kyoto, Tokio, Nueva York y Londres en la década de 1960 y de nuevo en París en 2003.
Asimismo, se ha realizado por muchos otros artistas.
ENLACES DE INTERÉS SOBRE YOKO ONO EN LA ACTUALIDAD:
Hoy hablaremos de una obra de pintura del artista Rafael, de la época del cinqueccento, esta es: La escuela de Atenas.
Rafael realizó esta pintura en la época del renacimiento (s. XV - XVI). El renacimiento fue un movimiento de la edad moderna que intentó resucitar, en la culturade la época, los valores formales y epirituales de la Antigüedad. Actualmente, esta época se ha ampliado abarcando también los cambios políticos, económicos, técnicos, religiosos y culturales que se produjeron en el s. XV. Algunos de estos cambios (descubrimiento del hombre y de la naturaleza, concepción individualista, criticismo, vuelta a la Antigüedad, triunfo de la economía monetaria, etc.) pueden rastrearse en la Edad Media, adquieren su madurez en el s. XV y, por tanto, son válidos para comprender el Renacimiento.
En el renacimiento, la cultura es antropocéntrica: el hombre es el motor y la medida de todas las cosas, y él mismo adquiere conciencia de su propio valor y seguridad. Es por eso la época de laexaltación del individuo, del amor a la gloria peronal y el deseo de perpetuidad: biografías, retratos, medallas, mausoleos... reflejan ese ansia.
Humanismo:
Se denomina humanismo al movimiento intelectual del Renacimiento que valoraliza la digndad del espíritu humano. Es el aspecto literario y filosófico del Renacimiento. No se limita al estudio de la teología, como en el medievo, sino que da gran importancia al estudio de las ciencias humanas, en especial de las lenguas clásicas, el latín y el griego, y busca en los escritores de la Antigüedad la confianza en la inteligencia del hombre y el amor a la naturaleza.
Los humanistas tuvieron gran influencia sobre el arte, proporcionando ideas y temas a los artistas. Estos, a su vez, trataron de demostrar la sólida formación científica y humanista que requiere el ejercicio profesional del arte. Alberti, arquitecto de mediados del XV, es un pionero en esta nueva conciencia. Expresó la idea de que las matemáticas son el cuerpo común del arte y de la ciencia; así, la teoría de las proporciones, como la de la perspectiva, son disciplinas matemáticas. El artista, por tanto, quiere ser considerado como un intelectual, no como un artesano.
La reacción intelectual y platónica al positivismo medieval:
En la última etapa del gótico (período artístico anterior al Renacimiento) se había extendido una tendencia positivista, es decir realita, concreta y racional, inspirada en Aristóteles y difundida por la Escolástica. En el s. XV, en cambio, se descubre a Platón. En 1440, Marsilio Ficino funda en Florencia la Academia Platónica, que se convirtió en el centro de vida intelectual. La filosofía de Platón permitía a los humanistas y artistas conciliar la belleza pura del paganismo con la religión, puesto que la belleza era un medio de acercarse a Dios. Para estos pensadores, la belleza y el bien son un solo principio, puesto que Dios es el Sumo bien, también es la Suma Belleza, y lo corpóreo es bello sólo por participación de la belleza. Esta posee, como cualidad intrínseca, la Unidad. En arte, la forma de conseguir esa unidad era por medio de la armonía; armonía de todas las partes entre sí y con el conjunto. Intelectuales y artistas observaron cómo el platonismo justificaba las obras maestras de la Antigüedad, que tanto admiraban.
Reconstrucción de como sería la Academia Platónica
Retrato del Papa Julio II (1512)
Cronología. Focos reacentistas. Los mecenas.
El Renacimmiento itaiano abarca el s. XV y el primer tercio del s. XVI; en lo que resta de este último se desarrolló el Manierismo, hasta hace poco considerado como "degenarción" del Renacimiento, pero reivindicado actualmente.
La prosperidad de las ciudades italianas originó la existencia de numerosos nobles y burgueses enriquecidos que no vacilaron en convertirse en mecenas (protectores) de escritores y artistas. Aunque este mecenazgo se ejerció en varios centros, dos son los más destacados: Florencia en el s. XV, con los Médicis, ricos banqueros que gobernaron la ciudad durante varias generaciones, y Roma en el s. XVI, con la protección de Papas como Julio II y León X.
Unos alumnos representan con títeres una conversación de un mecenas y Leonardo DaVinci:
El ideal clásico.
El ideal clásico, buscado por el Renacimiento, persigue la belleza en la forma y, concretamente, e la forma humana, puesto que en lo sucesivo, el fin de las actividades no reside ya exclusvamente en Dios, como en la Edad Media, sino cada vez más en el hombre.
La geometría y las matemáticas, como ocurrió en Grecia, serán las ciencias que ayuden a definir esa belleza ideal de la forma. Así pues, principios indiscutibles del arte renacentista son la unidad, la simetría y la proporción. Unidad espacial en la arquitectura, así como destacar el motivo principal en las artes plásticas, de tal manera que la composición sea abarcable de una sola mirada. Simetría respecto a un eje central, de forma que lo que aparece a un lado tenga su correspondencia en el opuesto. Proporción, es decir, concordancia lógica entre cada una de la partes de un todo y con el conjunto. Llamaron "número áureo" a una proporción considerada especialmente estética, consistente en que la proporción entre una dimensión menor y otra mayor, debe ser la misma que la existente entre la suma de las dos y la mayor de ellas (2/3, 3/5, 5/8, 8/13...).
Como podemos deducir, el ideal de belleza renacentista se basa en un orden intelectual, en algo que se consigue por una concordancia lógica, por un estudio riguroso, y no por algo intuitivo o por reflejo de lo divino.
Aquí tenéis un video que recoge las obras más conocidas de la etapa del Renacimiento:
Subetapas:
El arte del Renacimiento lo podemos dividir en dos subetapas: el Quatroccento y el Cinqueccento.
El arte del Quattroccento es una delimitación precisa en el ámbito del arte europeo del s. XV: arte que se produce en Italia en esta centuria. A partir de 1400, en tierras italianas, se inicia la formulación de un lenguaje clásico en clara contraposición a las corrientes góticas todavía dominantes en el resto de Europa. Donde más temprano se desperta este fervor es en Florencia. La casa de los Médicis es un centro de reunión y formación de artistas y literatos, llegando a su apogeo en tiempos de Lorenzo de Médicis.
La Antigüedad clásica fue modelo y fuente de inspiración para los humanistas del s. XV y su influencia recorre todo el arte de este período.
Si sigues teniendo interés, mira el siguiente video, te mostrará ejemplos de arte de esa época y te explicará mejor como son sus características:
Estamos ya en pleno Renacimiento que, por otra parte, irradia fuera de Italia. Los artistas son considerados incluso como genios, inspirados por Dios. En este sentido, la carga de idealismo y subjetivismo de sus obras es mayor que en el siglo anterior. El arte del XVI es eminentemente idealista, es decir, pretende reflejar, no tanto la realidad de las cosas, como el modelo "supremo" al que estas se deberían ajustar para que el mundo fuera bello.
Roma sustituye a Florencia como "capital artística" italiana. Roma no es ya el lugar de pregrinación de los artistas florentinos que iban a estudiar las ruinas de la antigüedad, sino la ciudad donde se emprenden las obras más importantes de la época. Los nuevos mecenas son los papas: Julio II fue el que llama a su corte a artistas como Bramante, Rafael y Miguel Ángel. A su muerte le sucede León X, tan amigo de las artes como su padre (precisamente Lorenzo de Médicis) y fastuoso como un emperador romano.
El siguente video te habla un poco más del Cinquecento:
En comparación con la del Quatroccentto, tiene una tendencia clara hacia la simplificación, la claridad y la grandiosidad, sobre todo en Florencia y Roma.
Destacan el tema principal, pierde importancia lo secundario, lo anecdótico.
Claridad de composición: líneas y planos fundamentales, con clara preferencia por la composición triangular de lados iguales, equilátera.
Los tipos humanos están planteados con suma corrección y elegancia, aunque no exenta de cierta flexibilidad.
Hay un mayor movimiento, que se afirmará en el Manierismo.
Los escenarios arquitectónicos, superada su función para la perspectiva lineal, importa ahora más por su volumen para acompañar y aún realzar a los personajes de la composición.
El escorzo sigue interesando, incluyendo el de las figuras en movimiento.
El dibujo, la línea, se ablanda a favor del juego pictórico de luz/sombra (Leonardo). Se llegará a fin de siglo a conseguir la perspectiva aérea (escuela veneciana fundamentalmente).
Distinguimos diversas escuelas: florentino-romana, milanesa, Parma, Venecia.
Obras muy representativa de esta época son:
La última Cena - Leonardo da Vinci
Bóveda de la Capilla Sixtina - Miguel Ángel Buonarroti
También en la pintura, Roma se convierte en la meta de numerosos artistas, incluídos los florentinos. El mecenazgo que ejerce el papado es decisivo. Es así como llegarán a Roma, Miguel Ángel y Rafael. En todos ellos hay una inicial coincidencia en seguir concediendo al dibujo una importancia que ya no será tan habitual en el Cinqueccento.
Rafael de Sanzio:
Nació el 6 de abril de 1483 en Urbino.
Respecto a su arte, es una personalidad de características opuestas a las de Leonardo (vida esforzada llena de fracasos) y Miguel Ángel (vida atormentada por un temperamento apasionado y tormentoso). Rafael fue un hombre de mundo mimado por el éxito, con una precocidad extraordinaria para la pintura que nos induce a pensar que su obra no le cuesta ningún esfuerzo, que su vida es un paseo triunfal. No fue innovador, sino que llevó a la perfección los descubrimientos de otros, una especie de criso donde se funden las experiencias de ensayos pictóricos anteriores. De su obra podríamos destacar:
La Madonna del Granduca: de clara influencia peruginesca y leonardesca.
La Escuela de Atena: su obra maestra, de la que hablaremos más adelante. Pintada en la sala del Vaticano denominada "Sala de la Signatura".
Pintó otras estancias al Vaticano así como multitud de cuadros en los que predomina el tema de la Vigen: Madonna de San Sixto, La Virgen de la silla, La bella jardinera, La Madonna del Prado, La Madonna del jilguero, La Madonna del pez... En la primera citada se nos muestra la Virgen y su Hijo como en una aparición ante San Sixto y Santa Bárbara, que parecen actuar de intercesores. María y Jesús miran frontalmente a los espectadores en un ambiente de luz irreal que inunda la escena, reforzando la sensación de proximidad. En la franja inferior, dos angelitos en actitud despreocupada.
Todavía joven, en pleno éxito, fallece en 1520. Rafael de Sanzio murió a los 37 años. A pesar de su muerte prematura, nos legó una de las colecciones pictóricas más importantes de la Historia. La fama le llegó muy joven y los encargos le llovían, por lo que se hizo necesario el tener que rodearse de discípulos y colaboradores que le ayudaban en la ingente tarea de cumplir los compromisos que asumía, ya que Rafael no sabía decir que no cuando le encargaba una obra.
En la Piazza della Rotonda se alza el Panteón. La inscripción del arquitrabe recuerda que fue Agripa, el yerno del emperador Augusto, quien lo construyó en el año27 a.C. Después del incendio del año 80 d.C., el emperador Adriano mandó construir un nuvo edificio que se ha conservado hasta la actualidad. Allí se encuentra entre otros sepulcros, el de Rafael, sepúlcro clásico, por encima del cual se encuentra la Madonna del Sasso, ejecutada por su discípulo Lorenzetto.
En la tumba está inscrito el siguiente epitafio por Pietro Bembo:
"Ille hic est Raffael, timo quo sospeche vinci, rerum magna parens te Moriente muera" (Aquí yace aquel famoso Rafael del cual la naturaleza temió ser conquistada mientras él vivió, y cuando murió, creyó morir juntos)
Hay quien lo traduce así:
"Aquí yace Rafael, del cual la naturaleza temía ser vencida mientras era vivo, más ahora que es muerto, teme de morir".
La Escuela de Atenas:
Clasificación:
La Escuela de Atenas es una de las pinturas más famosas del artista Rafael de Sanzio. Fue hecha en boceto entre 1509 y 1510 y pintada entre 1510 1512 como parte de una composición para decorar con frescosas las habitaciones del Palacio del Vaticano. La Stanza della Segnatura, sala donde se encuentra la Escuela de Atenas, fue la primera habitación en ser decorada, y La Escuela de Atenas la segunda pintura en ser finalizada, tras La disputa del Sacramento. Es del período conocido como el Cinqueccento del Renacimiento italiano (del que ya hemos hablado anteriormente), en el que Roma se convirtió en el motor del cambio estilístico.
Comentario:
Comentario estilístico:
La Escuela de Atenas se trata de la obra maestra de Rafael, prototipo renacentista: perspectiva lineal, composición de gran número de personajes, fuerza expresiva de gestos y psicologías, colorido fuerte y armónico, perfecto equilibrio, unidad dentro de la variedad...
Su base es de 7,70 m y su altura de 5,00 m. Se trata de un fresco situado frente a la "Disputa del Sacramento". Representa la Filosofía, a través de una escena en la que se narra una sesión entre los filósofos clásicos. En esta obra, Rafael adapta el espacio a las leyes de la superficie. ordena las figuras de izquierda a derecha. La perspectiva queda rota por los muros laterales sobresaliente.
En su tipología, podemos decir que es claramente figurativa; es decir, se trata de la representación de una escena realista, no se trata de una pintura abstracta. La figuras son claramente realistas, pintadas con mucho cuidado y estudio previo. La escena muestra cierta dinámica, a la vez que las poses pueden resultar un poco esquemáticas, pero muy estilizadas.
El modelado de la pintura podríamos decir que existe mucha riqueza en el dibujo, con mucho detalle y tratamiento de los ropaje de los personajes. En cuánto a su composición, podemos apreciar una clara perspectiva lineal, muy característica de este período. Rafael ha dividido la escena con una clara línea horizontal donde se congregan los filósofos y se focaliza nuestra atención cuando contemplamos la obra por primera vez. Platón junto a Aristóteles son las figuras centrales de la obra y sobre las cuales recae el punto de fuga de todo el conjunto.
En la Escuela de Atenas están pintados los filósofos, científicos y matemáticos más importantes de la época clásica. En ella, los diferentes grupos de personajes se ubican de manera simétrica, dejando el espacio central vacío para contemplar mejor a los protagonistas, recortados ante un fondo celeste e iluminado por un potente foco de luz que resalta la monumentalidad de la construcción.
Hay mucha luz, el color es brillante y la estancia se encuentra iluminada. La pintura pretendre captar la luz natural del Sol, sin provenir de ninguna dirección en concreto. No hay colores oscuros ni muchas sombras, las justas para dotar a la escena de realismo y naturalidad. A pesar de ello, hay armonía y contraste debido al empleo de colores muy variados.
Situación:
La Stanza della Segnatura, donde se encuentra el fresco de La Escuela de Atenas, tiene forma cuadrada, con ventanas en dos de las paredes. Esta sala servía de biblioteca y era el sitio donde Julio II firmaba los decretos del tribunal ecleciástico. Cada una de las paredes pintadas reflejaba una actividad humana en el ámbito del pensamiento:
La Filosofía representada mediante La Escuela de Atenas.
La Teología está reresentada por la Disputa del Sacramento.
La Poesía se simboliza con el Parnaso.
El Derecho se ilustra mediante Las Virtudes y la Ley con dos escenas: en una Gregorio IX recibe las Decretales y en la otra Triboniano entrega las Pandectas.
Paredes Este y Sur
Paredes Norte y Oeste
El Parnaso - Muro Norte
Las Virtudes y la Ley - Muro Sur
La Disputa del Sacramento - Muro Este
Bóveda
Temática.
Esta obra es uno de los cuatro frescos que pintó Rafael para la sala del Vaticano denominada Sala de la Signatura, biblioteca privada del Papa. La Escuela de Atenas, es una alegoría de la Filosofía. El tema es una reunión de filósofos bajo la bóveda de un aula con planta central rematada por un cúpula. En el centro, Platón, con el rostro de Leonardo, alude con el índice a las ideas como fuente del saber; Aristóteles, con la palma dirigida hacia la tierra nos remite en cambio a la concreción física de la realidad. No aparecen como actitudes irreconciliables, sino más bien como dos formas de acercamiento a la verdad natural. En primer plano, humilde y solitario, está Heráclito, con el rostro de Miguel Ángel, meditando sobre el constante fluir de las cosas. También en el centro y en posición de abandono sobre la escalinata, se encuentra Diógenes. A la derecha, inclinado sobre un pizarrón, localizamos a Euclides (con el rostro de Bramante) y después Tolomeo y Zoroastro con el globo terráqueo y la esfera terrestre, están los propios retratos del autor y de su amigo Sodoma.
En la famosa Escuela de Atenas, Rafael ha introducido la escena en un templo de inspiración romana, enlazando con la idea del templo de la Filosofía evocado por Marsilio Ficino. En las paredes del templo contemplamos las estatuas de Apolo, el dios de la Razón, y Minerva, la diosa de la Sabiduría, así como las bóvedas de casetones y los espacios abiertos que dominan el edificio, creando un singular efecto de perspectiva.
Los personajes:
1) Zenón de Citio o Zenón de Elea; 2) Epicuro; 3) Federico II Gonzaga; 4) Anaximandro; 5) Averroe; 6) Pitágoras; 7) Alejandro Magno, 8) Antístenes o Jenofonte; 9) Hipatia (pintada como Margherita o el joven Francesco Maria della Rovere); 10) Jenofonte; 11) Arquímedes; 12) Sócrates; 13) Heráclito (pintado como Miguel Ángel); 14) Paltón; 15) Aristóteles sosteniendo la Ètica; 16) Diógenes de Sinope; 17) Plotino; 18) Euclides; 19) Zoroastro o Estrabón; 20) Claudio Ptolomeo; 21) Apeles como Rafael junto a Protógenes como El Sodoma; R) Al fondo: Homero.
1) Zenón de Citia o Zenón de Elea: fue un filósofo griego perteneciente a la escuela eleática que fue discípulo de Parménides, cuyas tesis defendía con un amplio arsenal conceptual. Se le considera el primero en usar demostraciones por reducción al absurdo y son muy conocidas sus paradojas donde niega la existencia del movimiento o la pluralidad del ser.
2) Epicuro: su filosía en líneas generales, se caracteriza por situarse en el lado opuesto a la filosofía platónica: afirma que no hay más que una realidad: el mundo sensible. Niega la inmortalidad del alma y afirma que esta, al igual que todo lo demás, está formada por átomos.
4) Anaximandro: filósofo discípulo y continuador de Tales. Se le atribuye un mapa terrestre, la medición de los solsticios y equinoccios, así como trabajos para determinar la distancia y tamaño de las estrellas y la afirmación de que la Tierra es cilíndrica y ocupa el centro del Universo.
5) Averroés (al fondo): Averroés fue un filósofo y médico andalusí, maestro de filosofía y las leyes islámicas, matemáticas y medicina. Avarroés se esforzó en aclarar cómo piensa el ser humano y cómo es posible la formulación de verdades universales y eternas por parte de seres perecedores.
6) Pitágoras: Pitágoras, el célebre matemático griego, demuestra una de sus teorías a un grupo que lo escucha embelesado, uno de cuyos miembros porta una pizarra.
7) Alejandro Magno: es considerado uno de los mayores líderes militares de la historia. Consolidó la unificación de las ciudades-estado griegas y venció al enemigo histórico de estas, el imperio Persa. En apenas 12 años creció un imperio como no había sido conocido hasta entonces, uniendo Grecia, Oriente Medio, Mesopotamía, Egipto y la India. Recibió las enseñanzas de Aristóteles en su juventud, el cual lo instruyó en historia y filosofía, influyendo notablemente en el desarrollo intelectual del futuro rey.
9) Hipatia de Alejandría: fue una filósofa griega que vivió en el siglo IV a.C. Pasó toda su vida dedicada al estudio de la astronomía y a la enseñanza en la escuela platónica de Alejandría, de la cual llegó a ser directora. Mujer adelantada a su tiempo fue salvajemente asesinada por un grupo de cristianos.
11) Arquímedes: nacido en Grecia fue matemático, físico, ingeniero, inventor y astrónomo. Aunque se conocen pocos detalles de su vida, es considerado uno de los científicos más importanes de la antigüedad clásica. Entre sus avances en física se encuentran sus fundamentos en hidrostática, estética y la explicación del principio de la palanca.
12) Sócrates (derecha): es considerado como uno de los tres máximos representantes de la filosofía griega, junto a Platón y Aristóteles. Fue el verdadero iniciador de la filosofía, en cuanto que le dio su objetivo primordial de ser la ciencia que busca en el interior del ser humano. El método de Sócrates era dialéctico: después de plantear una proposición analizaba las preguntas y respuestas suscitadas por la misma.
13) El personaje solitario que se sienta en los peldaños representa a Heráclito (con cara de Miguel Ángel), filósofo melancólico que lloraba por la insensatez humana.
14) Platón (con cara de Leonardo da Vinci): mantiene una charla con Aristóteles, su alumno, y porta en su mano izquierda su obra Timeo, un influyente ensayo de cosmogonía, cosmología racional, física y religión. Con su dedo apunta hacia arriba con alusión a su concepto del mundo de las ideas, el mundo espiritual.
15) Aristóteles: con un gesto, contrapuesto al de su maestro, hace alusión al mundo material. En su mano posee su obra Ética a Nicómaco. Aristóteles fue el creador de la lógica formal, economía, astronomía, precursor de la anatomía y la biología y un creador de la taxonomía biológica (ciencia de la clasificación de los organismos). Es considerado el padre de la zoología y la botánica.
16) Diógenes: la figura enjuta de los escalones es Diógenes, filósofo que aborrecía las posesiones terrenales, para él la propiedad carecía de valor y vivía en un tonel, lo que le valió el apodo de "el perro".
17) Plotino: filósofo griego, figura más representante del neoplatonismo, el último sistema filosófico verdaderamente griego.
18) Euclides: matemático griego del s. III a.C. y discípulo de Sócrates, expone uno de sus postulados geométricos a un grupo de estudiantes.
19) Zoroastro: junto a Ptolomeo otra figura, probablemente el profeta persa Zoroastro, sostiene un globo celeste.
20) Ptolomeo: astrónomo y geógrafo del s. II, que creía que la Tierra era el centro del universo, sostiene un globo terráqueo.
21) Rafael: plasma su autorretrato en la figura del joven situado junto a Ptolomeo y nos mira directamente a los ojos para captar nuestra atención. A su lado, Perugino con idéntico sombrero pero en blanco.
R; al fondo vemos:
Homero: es el nombre dado al poeta y rapsoda griego al que tradicionlmente se le atribuye la autoría de la principales poseías épicas griegas: la Ilíada y la Odisea, pilar sobre el que se apoya la épica grecolatina y, por ende, la literatura occidental. En dichos relatos se narra la batalla de Troya y el errático regreso a casa de Odiseo (Ulises) y sus hombres.
Se ha visto en el fresco una representación de las siete artes liberales: en
primer plano, a la izquierda, gramática, aritmética y música; a la derecha,
geometría y astronomía; en lo alto de la escalinata, retórica y dialéctica. Los
dos grupos en el proscenio simbolizan las ciencias de los números en sus dos
aspectos, musical y astronómico. La tablilla sostenida por un niño a los pies de
Pitágoras lleva signos simbólicos, esquemas de las concordancias musicales.
"El dedo de Platón expresa la orientación final: de la ciencia de los
números a la música, de la música a la armonía cósmica, de ésta al orden divino
de las ideas."
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